miércoles, 4 de julio de 2012

News!


 


 Ya estamos en pleno verano y desde el CCURV queremos agradeceros vuestra participación y colaboración que han hecho posible todo esto. 




También queremos anunciaros las novedades que os tenemos preparadas: imágenes del flashmob en el CAFÈ WALPURGIS (donde participaron nuestros compañeros de Historia del Arte), actualizaciones del CRITICÓN y… - redoble – ¡el avance de la PRÓXIMA TEMPORADA recién salido de producción!
Y es que aunque el curso se haya acabado, y con él nuestra primera temporada, nos alegra anunciar que ya estamos maquinando la siguiente. Y como nos encanta haceros partícipes de las sesiones y debates del CCURV, os mostramos – en el Facebook estarán como eventos – la lista de temas que vertebrarán los CICLOS de nuestra próxima temporada para que podáis proponer los films que queráis que se proyecten, porque otra novedad es que el año que viene se proyectarán TODOS los films seleccionados (4 al mes/por tema) y uno de ellos podréis votarlo para profundizar en él en el debate.
Es verano pero el CCURV no cierra, sino que se abre a vuestras sugerencias.
¡Adelante valientes
  1.          Ciclo “Actualidad”: aquí podéis proponer films estrenados en el último año en salas de cine o DVD; como por ejemplo, “Carmina o Revienta” (Paco León, 2012). 
    2.      Ciclo “Los límites del Documental”: aquí podéis proponer films que rocen la frontera de lo que es un documental: falsos documentales, documentales de ficción, documentales de creación, documentales sin palabras… Como ejemplos tenéis “C.S.A” (Kevin Willmott, 2004) o “Fahrenheit 9/11” (Peter Jackson, 2004).
    3.      Ciclo “Diversas Caras del Terror”: aquí podéis proponer films de terror en todas sus formas: desde el terror psicológico al gore, del cine americano al japonés. Como ejemplos tenéis “Psicosis” (Alfred Hitchcock, 1960) o “Saw I” (James Wan, 2004).
    4.      Ciclo “La película más bizarra de la Historia del Cine”: aquí podéis proponer vuestros candidatos a este título recurriendo a la Serie B o, incluso, a la Z; como por ejemplo “Plan 9 del Espacio Exterior” (Ed Wood, 1959) o “Karate a muerte en Torremolinos” (Pedro Temboury, 2003).
    5.      Ciclo “Comedia de Culto”: aquí podéis proponer films cómicos que hayan sido polémicos por crear dos bandos (a favor, en contra) entre el público. Como ejemplos tenéis “Bananas” (Woody Allen, 1971) o “El sentido de la Vida” (Monty Python, 1983).
    6.      Ciclo “La Guerra en el Cine”: aquí podéis proponer films que traten alguno de estos conflictos bélicos: I Guerra Mundial, Guerra del Vietnam, Guerra de los Balcanes o la Guerra del Golfo Pérsico. Como ejemplos tenéis “Johnny cogió su fusil” (Dalton Trumbo, 1971) o “Apocalipsis Now” (Francis Ford Coppola, 1979).
    7.      Ciclo “Religión en el Cine”: aquí podéis proponer cualquier film que presente un tema relacionado con cualquier religión (Cristianismo, Islam, Budismo, animistas, etc). Como ejemplos tenéis “La última tentación de Cristo” (Martin Scorsese, 1988) o “El pequeño Buda” (Bernardo Bertolucci, 1993).
    8.     Ciclo “Escándalos Cinematográficos”: aquí podéis proponer films que en su momento provocaran un escándalo social (excepto los films de temática religiosa). Como ejemplos tenéis “Emmanuelle” (Just Jaeckin, 1974) o “Borat” (Larry Charles, 2006).
    9.      Ciclo “Míticos”: aquí podéis sugerir los films que os hayan marcado de alguna manera a lo largo de vuestras vidas: aquellos que no podéis dejar de ver (o los que evitáis) porque reviven historias, aquellos que os han hecho reflexionar, aquellos con los que os sentís identificados de algún modo… Como ejemplos os proponemos “Gilda” (Charles Vidor, 1946) o “Grease” (Randal Kleiser, 1978).


Crítica: "Mooladé", O.Sembene (2004)

 




En el año 2004 el director cinematográfico de origen senegalés Ousmane Sembene realizó Moolaadé, un film muy interesante tanto por los temas que trata como por el mensaje que subyace.



 La obra narra cómo una mujer, Collé Ardo, acoge en su casa –durante la ausencia de su marido– a cuatro niñas del poblado en el que vive para protegerlas, junto a su propia hija Amsatou, del rito de la ablación de clítoris, una práctica que todavía se lleva a cabo en el continente africano. Es por ello que el alegato contra esta atroz práctica que se desprende en el film no se dirige hacia un determinado país o cultura africanos, sino a buena parte del norte de África, donde aún hoy pervive ese ritual. Así, la diversidad en la procedencia de los miembros que configuran todo el equipo de rodaje (Senegal, Camerún, Burkina-Faso, Túnez y Marruecos) sirve para incidir en la idea de que el problema de la ablación afecta a muchos países del norte de África. Pero para que el mensaje pueda llegar a multitud de personas, la trama argumental gira en torno a dos conceptos procedentes de cuatro lenguas distintas pero que son comunes para los africanos, a saber, moolaadé y salindé. El primero de ellos, una vieja palabra “pulaar” existente también en “mandinga” y “wolof”, significa “protección”; en la tradición africana nadie puede negar la protección si se le pide ante cualquier circunstancia, como por ejemplo la que ofrece Collé a las niñas para evitar que mueran desangradas o sufran los efectos de esa práctica tan dolorosa. No obstante, y a pesar de que el moolaadé es algo tradicional, en el film se introduce un elemento de modernidad tanto en el sujeto que lo aplica como en sus razones para hacerlo. De este modo, será Collé –una mujer víctima de la ablación– la que se enfrentará directamente a una sociedad patriarcal con el fin de cambiar el status quo y con ello, la mentalidad ya no sólo de los hombres, sino también de las mujeres que continúan apoyando la mutilación genital o el salindé, el segundo concepto al que se recurre en el film. Procedente del “sarakolé” y del “mandinga”, salindé es la “purificación” por la que pasan las niñas mediante la ablación. Esto las convierte en mujeres dignas y aptas para contraer matrimonio con la garantía de que no serán infieles a sus maridos. Pero a pesar de las secuelas físicas y psicológicas que supone esto, la mujer en su conjunto ejerce en el film un rol activo como agente de cambio, al principio sólo representado por Collé y Hadjatou –la primera esposa de su marido– pero a posteriori secundado por la mayoría de las mujeres del pueblo, muchas de las cuales han sufrido la muerte de sus hijas, ya sea como consecuencia de la ablación o por suicidio. No obstante, no todas las mujeres son agentes de cambio, como se observa en las propias “purificadoras” o en la esposa de Dugutigui –el caudillo del poblado, que se niega a que su hijo Ibrahima contraiga matrimonio con Amsatou, puesto que es una bilakoro o mujer impura que no se ha sometido al salindé. De hecho, algunas niñas llegan a plantearse si podrán ser mejores esposas pasando por el rito de la ablación como en el caso de Amsatou, pero su madre le recuerda que ser una bilakoro no es incompatible con ser una buena esposa, tener hijos y educarlos bien. Es en este sentido que el planteamiento de Collé se opone frontalmente a lo establecido y propone un cambio que mejore las condiciones de la mujer africana, un cambio al que finalmente sucumbirán todos sus detractores, inclusive las purificadoras y los hombres. Asimismo, esa práctica dolorosa y humillante en las mujeres no deja de ser un síntoma más que evidente del estado de sumisión total al hombre, quien cree que cuando sus límites de poder se ven amenazados por la esposa está en todo su derecho de maltratarla. Así, cuando Collé se niega a levantar el moolaadé, su esposo le pegará en público con el fin de que se retracte y él pueda mantener su estatus dominante. Pero lo que él no espera es la fortaleza con la que su mujer soportará sus embistes sin pronunciar la “palabra liberadora”. Llegados a ese punto, intervendrá el Mercenario para defender a Collé ante los hombres del pueblo, con lo que pone en evidencia su papel activo a favor del cambio, algo que, por otro lado, le costará la vida. En la figura del Mercenario hemos de ver al propio Sembene, quien mantiene ciertos paralelismos con el personaje del film; se opone abiertamente a la ablación, ha estado en Europa y también ha formado parte del ejército. De este modo, su planteamiento progresista fruto de su ideología izquierdista es comparable a la modernidad que desprende el Mercenario en el pueblo, no únicamente por su oposición a un práctica ancestral, sino por los productos que vende (plásticos, cuchillas de afeitar, preservativos...). Sin embargo, su expulsión del poblado y su muerte a manos de los propios lugareños será el indicio de que los que hasta ahora han detentado el poder temen un verdadero cambio en el orden establecido. Por eso, los hombres prohibirán a sus esposas escuchar la radio, a través de la cual reciben mensajes contrarios a la ablación que las animan a hacer frente a la tradición. Ante ese panorama, se irá generando un caldo de cultivo que desencadenará una revolución cuyo detonante será la quema de todas las radios del pueblo y en la que la mayoría de mujeres se verán implicadas al negarse a someterse nuevamente a la autoridad de los hombres. Con ello, el director está lanzando un mensaje muy claro, a saber, que en África el agente de cambio reside en la mujer, pues es ella la que está consiguiendo modificar mentalidades recalcitrantes que se refugian en la religión para justificar sus prácticas. Es por ese motivo que el film se dirige a la población islámica para hacer hincapié en la idea de que la religión islámica no necesariamente contempla la ablación; así lo indica el propio Imán a través de la radio. Ello no quiere decir tampoco que su crítica se dirija contra el Islam, al contrario (Sembene se había formado en la escuela coránica); más bien pretende presentar una tradición ligada equívocamente a la religión como algo negativo que impide prosperar a África y que impone un control sobre la sexualidad femenina. No obstante, con el nuevo cambio que se ha producido en el pueblo, la mujer ha dejado de estar en la posición sumisa en que había estado siempre. Ello es un síntoma del progresismo que –junto a la sustitución del huevo de avestruz en el minarete de la mezquita por una antena de televisión– indica que África debe mirar al futuro y abrirse a la modernidad porque, en palabras de Ibrahima, “no podemos ignorar que el mundo cambia”.
De este modo, y teniendo en cuenta todos los aspectos comentados hasta el momento, podemos considerar Moolaadé como un auténtico documento social que nos permite acercarnos a la cultura africana a través del tratamiento de una cuestión muy delicada como es la ablación de clítoris. El carácter emotivo del film conmociona al espectador hasta hacerle sentir multitud de sensaciones que van desde la simpatía a la más absoluta rabia, pasando por la impotencia y, cómo no, la esperanza. Pero, para poder analizar la realidad africana, sería bueno dejar a un lado nuestras preconcepciones propias del mundo occidental y proyectar una mirada limpia de prejuicios hacia las características culturales que definen el continente africano. Porque, ante todo, el cine de África es la plasmación de la cotidianeidad y encuentra su razón de ser en la tradición oral, la música, la danza, el canto y otros elementos idiosincrásicos que lo convierten en extracto de vida. A través de estos films, se abordan temas como la dicotomía entre la tradición y el progreso, la poligamia, la mujer o los efectos de la emancipación respecto la metrópolis, en un afán de tratar con dignidad cuestiones básicas del continente africano para provocar en el espectador una significativa reflexión sobre el devenir de los acontecimientos.


Aida Marín Yrigaray

martes, 3 de julio de 2012

News news news!!!




Ja sóm a ple estiu i des d'el CCURV volem agrair-vos la vostra participació i col·laboració que han fet possible tot aixó.
 





També volem anunciar-vos les novetats que us tenim preparades: imatges del flashmob al CAFÈ WALPURGIS (on van participar el nostres companys d'Història de l'Art), actualitzacions del CRITICÓN i... - redoble - l'avançament de la PROPERA TEMPORADA acabat de sortir de producció!

I és que malgrat que el curs s'hagi acabat, i amb ell la nostra primera temporada, ens alegra anunciar que ja estem maquinant la següent. I com ens encanta fer-vos partícips de les sessions i debats del CCURV, us mostrem - al Facebook estaran com a events - la llista de temes que vertebraran els CICLES de la nostra propera temporada per tal que pogueu proposar els films que vulgueu que es projectin, perquè una altra novetat és que l'any que ve es projectaran TOTS els films seleccionats (4 al mes/per tema) i un d'ells ho podreu votar per aprofundir en ell al debat.

És estiu però el CCURV no tanca, sino que s'obre als vostres suggeriments.
¡Endavant valents!

  1. Cicle "Actualitat": Aqui podeu proposar films estrenats aquest últim any a sales de cinema o en DVD, com per exemple, "Carmina o Revienta" (Paco León, 2012). 
  2. Cicle "Els límits del Documental": Aqui podeu proposar films que ratllin la frontera del que és un documental: falsos documentals, documentals de ficció, documentals de creació, documentals sense paraules... Com a exemples teniu "C.S.A" (Kevin Willmott, 2004) o "Fahrenheit 9/11" (Peter Jackson, 2004).
  3. Cicle "Diverses Cares del Terror": Aqui podeu proposar films de terror en totes les seves formes: des del terror psicològic al gore, del cinema americà al japonés. Com a exemples teniu "Psicosis" (Alfred Hitchcock, 1960) o "Saw I" (James Wan. 2004).
  4. Cicle "La pel·licula més bizarra de la Història del Cinema": Aqui podeu proposar els vostres candidats a aquest títol recorrent a la Sèrie B o, fins i tot, la Z.; com per exemple "Plan 9 del Espacio Exterior" (Ed Wood, 1959) o "Karate a muerte en Torremolinos" (Pedro Temboury, 2003).
  5. Cicle "Comèdia de Cult": Aqui podeu proposar films còmics que hagin sigut polèmics per crear dues bandes (a favor, en contra) entre el pùblic. Com exemples teniu "Bananas" (Woody Allen, 1971) o "El sentido de la vida" (Monty Python, 1983).
  6. Cicle "La Guerra al Cinema": Aqui podeu proposar films que tractin algun d'aquests conflictes bèl·lics: I Guerra Mundial, Guerra del Vietnam, Guerra dels Balcans o la Guerra del Golf Pèrsic. Com a exemples teniu "Johnny cogió su fusil" (Dalton Trumbo, 1971) o "Apocalipsis Now" (Francis Ford Coppola, 1979).
  7. Cicle "Religió al Cinema": Aqui podeu proposar qualsevol film que presenti un tema rel·lacionat amb qualsevol religió (Cristianisme, Islam, Budisme, animistes, etc). Com a exemples teniu "La última tentación de Cristo" (Martin Scorsese, 1988) o "El pequeño Buda" (Bernardo Bertolucci, 1993).
  8. Cicle "Escàndols Cinematogràfics": Aqui podeu proposar films que al seu moment van provocar un escàndol social (excepte els films de temàtica religiosa). Com a exemples teniu "Emmanuelle" (Just Jaeckin, 1974) o "Borat" (Larry Charles, 2006).
  9. Cicle "Mítics": Aqui podeu suggerir els films que us hagin marcat d'alguna forma al llarg de les vostres vides: aquells que no podeu deixar de veure (o els que eviteu) perquè reviuen històries, aquells que us han fet reflexionar, aquells amb els que us sentiu identificats d'alguna manera... Com a exemples us proposem "Gilda" (Charles Vidor, 1946) o "Grease" (Randal Kleiser, 1978).

lunes, 28 de mayo de 2012

Crítica: "Cidade de Deus" (2002), de Fernando Meirelles


 
  "Lluita i mai sobreviuràs... 
Corre i mai escaparàs"


L’obra cinematogràfica que comentarem a continuació i que porta per títol: Ciutat de Déu (Cidade de Deus), és un film de ficció tan del director cinematogràfic brasiler Fernando Meirelles (1955) com de la realitzadora cinematogràfica americano-brasilera Kátia Lund (1966). Es va estrenar el 2002 i està basat en l’argument de la novel·la homònima de Paulo Lins. Tanmateix, el seu contingut audiovisual, degut, en part, a l’interès que es detecta a tota hora tan per a recollir imatges extretes directament de la vida real (p.ex: les vistes que ens mostren els ambients urbans a on transcorre l’acció) com per recrear fidelment l’evolució històrica que ha viscut el barri marginal de Ciutat de Déu –a Río de Janeiro–, des dels anys 60 fins a l’actualitat, acaba atorgant al film un valor documental extraordinari com a testimoni il·lustratiu dels canvis socials que ha viscut aquest barri al llarg de 40 anys. Tot i així, aquest film, es va distribuir a les sales d’exhibició cinematogràfiques amb dues altres intencions: d’una banda, amb la de difondre les problemàtiques actuals que afecten i determinen la vida de tots aquells sectors socials empobrits que resideixen en els barris marginals de les grans ciutats brasileres; i de l’altra, amb la de denunciar, no només la postura d’indiferència que l’Estat i les classes socials mitges i altes del Brazil han mostrat, fins fa ben poc, envers a aquesta realitat social, sinó també, la situació de misèria en la que es troben immersos tots aquells sectors socials que malviuen en aquells barris marginals. No obstant això, el film, al nostre parer, també té un altre interès; i és que aconsegueix vertebrar, per mitjà de l’àmbit de la violència, una sèrie de subtemes que es van introduint al llarg de les tres parts consecutives en les quals es pot dividir l’argument d’aquest film.
En la primera d’elles, es vol descriure, amb colors clars i alegres, la millora substancial que va experimentar la població del barri cariocà de Ciutat de Déu amb les polítiques de sanejament que s’hi van dur a terme als anys 60, i que consistiren, bàsicament, en l’enderrocament de les antigues barraques i la construcció d’uns habitatges molt més dignes i salubres per a la població. Però, en realitat, l’interès real d’aquest apartat rau més en el fet de voler aprofitar aquest episodi, per mostrar el caràcter sociocultural d’una primera comunitat de veïns que es va veure afectada, ja des de bon començament, per una sèrie de problemàtiques que ens permeten analitzar alguns dels temes que s’aniran desenvolupant i introduint al llarg de tot el contingut audiovisual d’aquest film.
El més important és el de la violència. Ho és perquè determina l’acció tan dels protagonistes com de l’argument del film, però també, perquè a redós seu es van introduint els altres subtemes que es van descrivint. En el cas de la primera part, els autors del film, han volgut vincular el tema de la violència amb dos fenòmens socials: d’una banda, amb el de la violència de gènere d’àmbit familiar, ja que en el film, és, precisament, en l’entorn familiar on els homes, a més d’imposar la seva autoritat, sotmeten a les dones i als fills ja sigui per la força o bé privant-los de realitzar determinades accions o activitats il·legals; i de l’altra, amb el de la delinqüència menor o comuna, ja que l’han acabat tractant com a un mitjà més de supervivència i un instrument útil i necessari per fer front a la greu situació de pobresa que envoltava a la majoria dels habitants d’aquell barri. Però en el cas de la segona part, el tema de la violència ha estat enfocat des d’un altra perspectiva. En primer lloc, perquè ha esdevingut un mitjà d’enriquiment personal per aquells joves del barri que no han anat mai a l’escola, han fet vida al carrer, han fet sempre el que han volgut i no s’han preocupat de tenir perspectives de futur. En segon lloc, perquè ha estat el desencadenant d’una sèrie d’assassinats sectaris i massius que s’han vist afavorits per l’ús creixent de les armes de foc. En tercer lloc, perquè ha condicionat una atmosfera de colors menys lluminosos que expressa, d’alguna manera, un sentiment de tristesa que es pot relacionar amb el major grau de barbàrie que es va assolir en aquell barri a partir de la dècada dels anys 70; i en darrera instància, perquè s’ha volgut vincular amb tres realitats socials més que es descriuen en aquest film: les bandes juvenils, les drogues, i la marginalitat.
Pel que fa a les bandes juvenils, creiem que ambdós autors, les han descrit com a unes estructures jeràrquiques, totalitàries i de caràcter criminal que, a més de tenir el control de la violència, competir entre elles pel poder econòmic i ésser liderades per un cap visible com el de Zé Pequeño, que és de fet el qui governa el barri de facto, es regeixen per unes normes comunes, són solidàries amb els seus membres, encara que de vegades practiquin algunes discriminacions racials (especialment dels blancs i mulats envers als negres), i viuen immerses dins d’un cercle viciós de delinqüència i de tràfic d’armes i d’estupefaents.
En canvi, pel que fa al tema de les drogues, pensem que el seu tracte, contribueix a concebre-les  com a una arma de doble tall, perquè de la mateixa manera que es descriuen, en la primera part del film, com a un instrument que proporciona plaer i tranquil·litat, i, ajuda, així mateix, a combatre, tal i com s’aprecia amb el consum del cànnabis i de l’alcohol, les angoixes i les misèries dels joves que malviuen en el barri; acaben esdevenint, a partir de la segona part del film i des del moment en el que s’introdueix la cocaïna, un mitjà d’enriquiment personal que, a més d’agreujar les relacions entre les diferents bandes juvenils i generar una escalada de violència imparable, acaba involucrant-se amb la corrupció dels cossos policials, ja que aquests, enlloc de perseguir les bandes que actuen com a càrtels de la droga, treuen benefici del conflicte i col·laboren amb ells.
I pel que fa al tema de la marginalitat social, tenim la impressió que els dos autors del film, l’han volgut associar amb la violència per dos motius. En primer lloc, perquè volien reproduir i denunciar aquell clima bèl·lic que van començar a adquirir aquells barris marginals de Rio de Janeiro que, a partir de la dècada dels anys 70, es van convertir en veritables centres de joves delinqüents i criminals. I en segon lloc, perquè pretenien mostrar que si la violència estava associada amb la marginalitat social, i conseqüentment amb la pobresa, les classes socials més baixes, i la joventut carioca més desafavorida, era, d’una banda, per l’elevat índex d’analfabetisme que existia entre aquests sectors d’edat, ja que, tal i com reflecteix el film, la majoria dels joves delinqüents que pertanyien a les esferes de les bandes criminals eren analfabets; i de l’altra, per la indiferència i la falta de sensibilitat que les classes socials mes altes i els governs respectius del Brasil, havien mostrat envers a uns sectors socials que necessitaven el seu ajut tan per fugir de la misèria com per trobar un futur laboral que els permetés fugir de la violència, la delinqüència i el tràfic de drogues i d’armes.      
Finalment, el film s’acaba amb el relat d’un tercer i últim apartat (centrat en la dècada dels anys 80),   que intenta descriure, per mitjà d’uns colors foscos i tristos, la narració dels dos últims episodis tràgics que s’expliquen en relació a la història d’aquest barri: d’una banda, el de l’esclat d’una guerra oberta entre dues bandes juvenils que crida l’atenció –per la seva brutalitat–, dels mitjans de comunicació brasilers, els quals són representats –exceptuant el cas d’en Bené–, per membres pertanyents a les classes mitjanes i altes de la societat, les quals s’interessen pel tema degut al sensacionalisme que comporta l’esdeveniment; i de l’altra, el de la intervenció dels infants en la lluita armada; un fet, aquest últim, que, a més d’accentuar i perpetuar l’escalada creixent de violència, desencadenarà un clima de terror que, tal i com es descriurà en el film de ficció que porta per títol: Tropa de Elite –del director cinematogràfic brasiler José Padilha–, acabarà obligant a les classes dirigents del país, i a partir de la dècada dels anys noranta, a intervenir en el conflicte, tot reclutant als mateixos joves marginats perquè es reinsereixin en la societat per mitjà de les tropes d’elit de l’estat.

 
Joan Perelló Balcells



lunes, 7 de mayo de 2012

Crítica: "El camino a casa" (1999), de Zhang Yimou


"Buscaremos una solución, 
encontraremos gente amiga para traer a tu padre a casa"



El camino a casa (1999), premiado en Sundance y en el Festival de Berlín, es un film de Zhang Yimou, director que formó parte de la quinta generación de cineastas chinos, que se formaron en la Academia de Cine de Pekín en 1982 y graduados tras la Revolución Cultural.  El film nos narra un drama rural a partir de continuas contraposiciones entre la tradición y la modernidad, en una continua dialéctica de contradicciones. Visualmente utiliza el blanco y negro para situarnos en un presente, marcado en la narración por la muerte del padre del protagonista que ha de volver a su pueblo natal, desde la ciudad. Un pueblo despoblado en el que solamente quedan ancianos y niños, ya que los jóvenes van a trabajar a la ciudad con la industrialización en busca de un futuro mejor. Este problema repercute en la narración de la historia en la procesión funeraria, en la que han de pedir ayuda al pueblo vecino, teniendo que pagar a los hombres para transportar el ataúd, pero finalmente veremos que acuden los antiguos alumnos del viejo profesor y los vecinos colaboran de manera solidaria, de corazón. El cooperativismo que vemos en la construcción de la escuela, el trabajo en común, desde la solidaridad del pasado tradicional chino, reivindicado por el director al haberse perdido con la industrialización, volveremos a verlo puntualmente en la procesión funeraria. El director vivió bajo el régimen comunista de Mao Tse Tung, pero no muestra en el film explícitamente una situación política, es sutil y aparece el concepto de comunismo bajo un tono de comunidad que colabora y está unida, aunque también veremos que el profesor tiene que abandonar el pueblo por sus ideas políticas en conflicto con el alcalde. De todas maneras, el film se centra en una historia romántica, en un pasado realizado en color, que nos aproxima emotivamente a las emociones, con la diversidad de las tonalidades de las estaciones y la naturaleza que marcan el paso del tiempo.
En el pasado una simple imagen, un cuadro de Mao, en la escuela nos sitúa en un momento histórico y cultural, así como el cartel del film Titanic, en la parte que narra el presente y nos muestra la globalización y hasta donde ha llegado el concepto, en el que se pierde la identidad cultural china y la superación de las viejas costumbres, unas positivas como la solidaridad del comunismo y otras negativas, desde nuestro punto de vista occidental, como la disidencia y la persecución política, el analfabetismo, o el matrimonio concertado, teniendo en cuenta que en el presente la sociedad china continúa con la problemática de la soltería masculina, producida por la política del hijo único, que favorece tener un varón como descendiente. El gobierno chino introdujo la política del hijo único como  medida de control de la población, para aliviar los problemas sociales y ambientales de China, en las zonas rurales favorece la despoblación y el director muestra la nostalgia por el pasado rural y la incertidumbre y el despego por el nuevo presente urbano, además de la pérdida del respeto y cuidado de por vida de sus mayores, el hombre deja de ser el sustento que mantiene a sus padres, pero una hija supone un problema y un gasto al conllevar la dote.
A través del personaje de Zhang Ziyi, nos muestra el amor verdadero, incondicional, envuelto de toda tradición y simbolismo hasta el final de su vida. Es una narración intimista, con silencios y a través de su personaje nos muestra unas emociones contenidas, que contrastan con unos sentimientos  puros e inquebrantables. Ella representa la cultura y la tradición, la mujer soltera más bella del pueblo, la primera que tendrá un matrimonio por amor,… y a pesar de ser analfabeta demuestra tener la sabiduría de su cultura, de sus costumbres, con maestría al decorar unas ventanas con detalles recortados en papel, con su dominio en la cocina, tejiendo, siendo la única mujer que conserva una máquina de tejer en la actualidad, conocedora del territorio,… y poniendo todo su empeño en ello, tanto como en buscar cada día por la montaña el pasador de pelo perdido que le regaló el maestro y finalmente encuentra en la puerta de su casa. Ella dará todos sus ahorros para la construcción de la nueva escuela, será la familia que más dinero aporte para ello, por lo que supone el recuerdo a su marido fallecido y al bien común.
Mientras la parte de la historia en color nos muestra un pasado en el que predomina en la narración una historia de amor, en el presente en blanco y negro se trata la muerte, con respeto, de manera solemne, no es tan solo la muerte de un padre o marido, incluso de una madre, lo es de una cultura que se desvanece, de una identidad perdida. De manera poética, el hijo del maestro, dará su única clase en la escuela en la que estuvo su padre toda su vida como profesor, repitiendo sus palabras, mientras la madre escucha como el resto del pueblo a los chicos repitiendo al unísono las frases del maestro y recuerda el pasado. Hay esperanza en el futuro, con la construcción de una nueva escuela, significa la continuidad del pueblo y de los niños en él, pero hay un cambio, incluso en el diseño de la misma escuela proyectada por el hijo del maestro.


Jose Luis Rosado Silos